HENRY COW CELEBRA SU 40º ANIVERSARIO CON UN BOX SET ANTOLÓGICO

Recommended Records ha anunciado el lanzamiento de una edición de grabaciones inéditas de los líderes del RIO, consistente en nueve CDs, un DVD y dos libros!

El box set se publicará en dos volúmenes a fin de año. Como adelanto, en septiembre se lanzará el CD “Stockholm”, que incluye una grabación en vivo para la Radio Sueca de 1977 y formará parte integrante de esta edición aniversario.

Para advertir su envergadura e importancia histórica, transcribo la información sobre esta edición que está difundiendo ReR: “Assembled over 15 years, this collection gives for the first time some idea of the breadth and depth of Henry Cow's work. Always very much a live band, performance was their metier, and a concert might range far - always driven by an intense dialogue between tightly knit compositions and radically open improvisation. The officially released LPs tell at best only half this story, and one purpose of this definitive collection is to set the work back into its broader context. These are all previously unreleased recordings, that include many compositions and improvisations new to anyone who only knows the official releases, documentation of a number of one-off projects and events and - where different or remarkable enough to justify inclusion - live versions of parts of the LP repertoire. Many of these recordings are high quality radio transcriptions taken directly from the original masters, others are less hi-fi, but justified we think by their historic and musical quality. And everything has been carefully transferred and re-mastered by Bob Drake to the best audio quality that current technology allows without interference or tampering. It's all a million times better than the terrible bootlegs that are swimming around. Altogether, these 9 CDs embody some extraordinary, and occasionally prescient music. Taking this box together with the officially released albums, it is possible at last to get some impression of the extensive ground Henry Cow covered in it's 10 short years. Finally, there is the DVD: 80 minutes of the 1976 Cow (with Georgina Born and Dagmar Krause) performing many unreleased pieces as well as Living in the Heart of The Beast, Beautiful as the Moon & c. This is the only known video recording in existence - professionally made, multi camera - and has not been recovered since its original broadcast (just scour U-Tube, HC is conspicuous by its total absence). And last but not least, there is a great deal of written, photographic and textual documentation. Since this will probably be the last and definitive collection, it has to be thorough. For reasons of fairness and cost we have decided to split the set into two boxes - which can be bought separately or together. VOL 1 covers the period 1971 to the 1976 Hamburg radio show which documents John Greaves' last concert with the band, as well as the extraordinary Trondheim concert from the quartet tour that immediately followed. VOL 2 takes the story through to 1978 and includes more previously undocumented compositions as well as the Bremen radio recording. The Stockholm CD belongs to this second box, which also contains the DVD”.

ReR ha implementado un sistema de “suscripción” para la venta anticipada del box set, que le permitirá recaudar dinero para su fabricación y publicación, ofreciendo a los suscriptores una edición especial numerada, que incluye el CD “Stockholm” y una caja para guardar los cinco álbumes de estudio, a un precio menor al del box set.

DADDY ANTOGNA Y LOS DE HELIO EN BUENOS AIRES

Con una carrera que se remonta a su participación en grupos como Ave Rock y Orion´s Beethoven en los ´70s y que quedara trunca a raíz de un accidente que lo obliga desde entonces a trasladarse en silla de ruedas, el baterista Daddy Antogna regresa junto con Los de Helio.

Antogna se ha rodeado de músicos de reconocido linaje experimental. Lo acompañan Nicolás Diab en bajo, Fernando de la Vega en batería (ambos de Las Orejas y La Lengua, by the way: para cuándo el tan anunciado “Buenos Aires” -se los extraña!-) y Alan Courtis en guitarra (ex Reynolds y colaborador de Lee Ranaldo, Damo Suzuki, Pauline Oliveros, John Oswald y un largo etcétera).

La formación estrenará su primer álbum este viernes 11 de julio en Espacio Ecléctico, Humberto Primo 730. El concierto es a las 22:00 y la entrada cuesta unos escasos $ 12.

CANTERBURY "SE MUDA" A BOURGOIN-JALLIEU: UNA CRÓNICA

Cuando leí esta crónica, pensé que era una buena idea darle espacio aquí. Martin, profesor de alemán residente en Paris y serio entusiasta del rock progresivo, la escribió con frescura y sensibilidad. Habitual participante del foro de Prog Archives, tuve el placer de conocerlo en Les Abattoirs, donde coincidimos para este evento. Además, fue una agradable sorpresa “encontrarme” en su relato: “...I met Sylvia & Walter, a nice Argentinean couple, who studies in Barcelona and had come over for the festival...”. Que lo disfruten!

CANTERBURY "SE MUDA" A BOURGOIN-JALLIEU

Entre el 22 y el 24 de mayo, en esta pequeña ciudad cercana a Lyon (Francia) tendrá lugar un evento dedicado a la escena progresiva de Canterbury, aquel movimiento musical surgido en el sur de Inglaterra hacia fines de los ´60s, en el que confluyeron, de una manera única e irrepetible, la psicodelia, el free jazz, la composición contemporánea, el surrealismo y el dadaísmo.

En el marco de la programación cultural del SMAC Les Abattoirs y bajo el título “L´école de Canterbury”, se han previsto una serie de actividades y conciertos, entre los que se destacan las actuaciones de Kew.Rhone., la banda de John Greaves y Peter Blegvad que grabara el álbum del mismo nombre en 1977, y de Canterbury Legends, una especie de seleccionado integrado por Hugh Hopper (Soft Machine), Phil Miller (Hatfield and the North) y Didier Malherbe (Gong). También habrá un tributo a Robert Wyatt, que incluirá el estreno de una obra creada especialmente para esta ocasión.

Directo EMBRYO (9/2/08, Centre Cívic La Sedeta, BCN)

Christian Burchard lleva cuarenta años con Embryo, desde los orígenes seminales del Krautrock hasta su vital presente multiétnico. A lo largo de este tiempo, han pasado por la banda más de 400 músicos de las más diversas procedencias, que se le unieron en sus incontables giras intercontinentales, logrando una convivencia -no sólo artística- en total comunión. Embryo es un proyecto marcado por la creación incesante, el nomadismo y la hospitalidad incondicional. Embryo es el diálogo intercultural hecho realidad. Tuvimos la ocasión de vivenciarlo en uno de los conciertos que ofrecieron durante su actual gira. En el marco de la programación cultural del Ayuntamiento de Barcelona, con entrada libre y gratuita, Embryo tocó en un centro cultural barrial, sin mayores artilugios técnicos y escénicos y ante una pequeña audiencia entusiasta.

Se suele considerar a la música de Embryo como un ejemplo de la “world music”, tal la etiqueta con la que hoy se divulgan y comercializan las músicas folklóricas y étnicas, así como sus variantes híbridas, resultantes de su mezcla con otros géneros y estilos. Sin embargo, no puede soslayarse que bajo este rótulo demasiado amplio han quedado homogeneizadas y relativizadas expresiones musicales genuinas, al ser parangonadas con manifestaciones ajenas, carentes de rigor y autenticidad o producidas con motivaciones extramusicales. Nada más alejado de la filosofía de Embryo, que promueve experiencias de fusión concientes que integran distintas tradiciones culturales y las enriquecen sin neutralizarlas. Embryo se desmarca completamente de aquellas expresiones reduccionistas o superficiales, de intención cuasi-turística y forma estandarizada (ej. Manu Chao o similares), que abundan cada vez más en este segmento del mercado musical.

Y si de música hablamos, los vaporosos acordes de “Other Side of the Sky” de Gong -que emanaban de los altavoces mientras el público entraba a la sala y se ubicaba en sus asientos- anticiparon esa atmósfera onírica que se respiró durante todo el concierto. Como buen pionero del Krautrock, Embryo crea músicas de trance, donde la improvisación y la complejidad rítmica juegan un papel central. Y lo hace empleando una instrumentación insólita, en la que se cuentan el fagot, el violín, el oud y el salterio. Este último, junto con la marimba y el vibráfono, son los instrumentos a cargo de Burchard y responsables de esas peculiares resonancias ingrávidas, que caracterizan esta etapa de la banda. La voz del excéntrico Mik Quantius, plena de efectos extraños y de armónicos, fue una revelación para mí; me recordó por momentos a Damo Suzuki y a Demetrio Stratos. El concierto fue un lento crescendo, literalmente: a un comienzo mayormente acústico y sedativo sobrevino, luego del intermedio, un segmento incandescente, con una batería arrolladora y un salterio (esta vez electrificado!) chirriante cual guitarra hendrixiana.

MELLOTRON EUROPA EN BCN

Encontré la edición europea de la revista argentina Mellotron en Music World, una tienda de discos de las que ya no quedan, con un muy nutrido catálogo de rock progresivo de los 70s (calle Rosselló 201).

El número 3 de esta publicación trae una cobertura del “Tiana Prog Fest”, el evento sobre el género que tiene lugar anualmente en esa ciudad cercana a Barcelona, y una entrevista a Jordi Tardá, quien anticipa la apertura de un museo del rock en un recinto de Montjuïc durante este año.

En particular, este número es ideal como introducción al rock progresivo argentino. Contiene dossiers sobre antiguos grupos y bandas contemporáneas, reviews de varios álbumes y un CD obsequio, con una amplia selección de temas. Además de las agrupaciones incluidas, aprovecho la ocasión para recomendarles otras igualmente importantes, como las históricas Bubu, M.I.A. y Alas y, entre las actuales, Las Orejas y La Lengua.

THINKING PLAGUE EN LE TRITON

No se pierdan este fragmento de “Lycanthrope” en el que Bob Drake, disfrazado de oso, reemplaza a Dave Kerman en la batería. El video corresponde al concierto de la banda en Le Triton (Les Lilas, París), el pasado 29 de marzo. Estuve allí y fue realmente alucinante.

COSA BRAVA QUARTET: EL NUEVO GRUPO DE FRED FRITH EN BCN

Ícono incuestionable de la música experimental y miembro de agrupaciones imprescindibles como Henry Cow, Massacre y Naked City, Fred Frith pasará por esta ciudad estrenando música y banda.

El Cosa Brava Quartet reúne a músicos con una importante trayectoria en terrenos vanguardistas. Junto a Frith -composición, guitarras y bajo-, encontramos a dos expertas instrumentistas: en acordeón y teclados, Zeena Parkins (News From Babel, Skeleton Crew, Keep the Dog) y, en violín, Carla Kihlstedt (Tin Hat Trio, Sleepytime Gorilla Museum, 2 Foot Yard). A ellos, se suma el baterista Mathias Botti, compañero de Kihlstedt en SGM.

En palabras de Frith, éstas son las motivaciones que lo llevaron a incursionar en este proyecto: “...Over the years I’ve done a lot of improvising, and composed a lot of music on paper. I’ve written for orchestras and string quartets, directed ensembles of improvisers of all descriptions, produced scores for dance and film. I even somehow became a Professor of Composition! But I really miss what you can do with a rock band. I miss developing material through the push and pull of cooperative rehearsals, I miss what happens when you move away from “the parts” and start formulating things with a collective ear, I miss the single-minded commitment to a group identity. The musicians in Cosa Brava can improvise, read scores, AND rock the house...”.

Cosa Brava Quartet actuará el próximo 14 de abril en BeCool.

FAUST LLEGA POR PRIMERA VEZ A BCN

“Faust were not what I had dreamed of. They surpassed that. The debut album opened with a filthy, crackling burst of synthesiser generated electricity, in which snatches of The Rolling Stones' Satisfaction and The Beatles' All You Need Is Love were reduced to cinders. Like much of the album it was probably conceived with a smile on it's makers' faces. To me, however, it was a solemnly devastating statement of intent. Jimi Hendrix had abolished surf music on Third Stone From the Sun. Now Faust were doing the same to the rock canon”.David Stubbs, “Faust Epiphany” (The Wire, marzo 2004)
Desde 1970, los legendarios e incansables krautrockers de Faust vienen anticipando el futuro. Pioneros de la música concreta y electrónica en el ámbito del rock, fueron precursores de subgéneros como el industrial y el ambient e influenciaron fuertemente a las bandas del post-rock.

Muy activos durante la última década, en 2007 editaron su último CD “Disconnected” (Art-Errorist) -en colaboración con Nurse With Wound- y actuaron en el Rock In Opposition Festival (foto).

Faust se presentará en L´Auditori el próximo 9 de abril, en el marco del Festival Digressions.

GIRA EUROPEA DE THINKING PLAGUE

“Every now and then a landmark group emerges. Thinking Plague in my opinion

belongs in that category. Being an interesting group isn’t a matter of learning
to imitate some favourite bands' style, it's having an original musical vision
and the skills to bring it into being; it's breaking new ground...”.Chris Cutler
Liderada por el compositor y guitarrista Mike Johnson, la banda de Denver (EEUU) llegará a Europa esta semana para ofrecer una serie de conciertos en distintas ciudades.

Hasta el momento, estas son las fechas confirmadas:

29 de marzo: Les Lilas, Paris (Francia) - Le Triton

1º de abril: Wurzburg (Alemania) - Kulturhaus Cairo

2 de abril: Ginebra (Suiza) - L'Usine
3 de abril: Milán (Italia) - Legend 54 Club

6 de abril: Gouveia (Portugal) - Gouveia Art Rock Festival

En esta gira, Thinking Plague formará con Johnson, la cantante Deborah Perry, el bajista y acordeonista Dave Willey y el saxofonista y clarinetista Mark Harris, entre sus miembros habituales. Contará con el regreso del increíble Dave Kerman (5´UUS, U Totem, Présent) en batería y percusión, y los teclados estarán a cargo del compositor Stevan Tickmayer (The Science Group). A Perry, se unirá Elaine Di Falco (Caveman Shoestore, Hughscore) en voces.

Definitivamente experimental, Thinking Plague es una agrupación capital en la evolución reciente del progresivo y, a mi juicio, la más significativa entre aquéllas que hoy trabajan a partir de la forma canción. Es heredera de la fértil progenie iniciada, allá por 1975, por “Desperate Straights”, de Slapp Happy/Henry Cow, que decantara en la obra de The Art Bears y News From Babel. No obstante, Thinking Plague, sin abandonar la senda de esta ascendencia del RIO, se ha posicionado en una nueva dimensión estilística, al incorporar unas estructuras expansivas y un tratamiento orquestal más afines al progresivo sinfónico. La confluencia de estas dos vertientes, pasada por el tamiz creativo de Mike Johnson, convierte su propuesta musical en una experiencia única y renovadora.

La música de la banda, con un acento equivalente en lo instrumental y lo vocal, es en extremo ecléctica y muy compleja rítmicamente, plena de cromatismo y atonalidad, y exhibe altas dosis de manipulación sonora. En las líneas vocales son frecuentes los unísonos y los contrapuntos disonantes con las líneas instrumentales; los registros extremos y los saltos interválicos amplios o repentinos; y los sonidos y efectos de altura indeterminada. Para acometer estas exigencias, Thinking Plague siempre ha contado con voces competentes y exquisitas (desde Sharon Bradford hasta Deborah Perry, pasando por la inolvidable Susanne Lewis, también compositora y letrista). El resultado es una música cerebral, rigurosa, aunque con el suficiente nervio y convicción para llegar a sorprender, estremecer y emocionar como pocas en la actualidad.

“A History of Madness” (2003), el último CD de estudio de Thinking Plague, los encuentra en un nuevo estadio en el desarrollo de su estilo, explorando sonoridades más orgánicas y sofisticadas y experimentando con montajes electroacústicos. Este álbum conceptual, parcialmente basado en la historia de los cátaros, deja en claro que Mike Johnson es uno de los compositores más originales y avanzados del momento. Mientras en el ámbito del rock progresivo es cada vez más usual escuchar músicas muy elaboradas pero con escasa capacidad de innovación, “A History of Madness” se erige en un trabajo decididamente progresivo, en el sentido más auténtico de la palabra, una verdadera obra maestra del género sin distinción de épocas ni estilos.

Como introducción al sonido preciso y arrollador de la banda en vivo, recomiendo el registro de su actuación en el NEARfest 2000, publicado en CD bajo el título “Upon Both Your Houses” (2004).

FACTOR BURZACO

Conocido aquí por sus jugosas “Crónicas desde Buenos Aires” que habitualmente publica en El Periódico de Catalunya, el argentino Abel Gilbert es también músico y compositor, y tiene un CD flamante, que ha editado junto a su grupo Factor Burzaco.

No he podido aún escuchar la obra completa, pero en los temas que suenan en su myspace observo una sugerente colección de gestos: voz indie declamativa, ondulantes líneas melódicas, climas entre eufóricos e inquietantes, rítmicas quebradas y texturas armónicas apoyadas por una orquesta de cámara. En el plano estilístico, la música se desplaza entre lo culto y lo popular -polos claramente reconocibles en constante interpelación-, dando como resultado un cruce entre la música contemporánea de tradición académica y el rock.

El CD ha recibido críticas interesantes, entre las que destaco la posteada en Esculpiendo Milagros.

Directo PLANETA IMAGINARIO (7/2/08, Sala Luz de Gas, BCN)

Marc Capel y su banda presentaron “Biomasa” con un concierto breve pero impecable. Recorrieron la mayor parte del CD y, además, estrenaron temas, que incursionan en terrenos aún más ambiciosos. Uno de ellos, “Tres preludios clínicos para un hombre perro” -casi un homenaje a Satie-, suena tan complicado y lúdico como lo anticipa su ocurrente título. Sin embargo, en Planeta Imaginario no encontramos esa pedantería tantas veces criticada a las bandas progresivas; lo suyo es una apuesta por el ingenio sonoro y por la complejidad en cuanto travesura formal, sin arrogancia ni virtuosismo desmedido.

Este ensamble de ocho músicos ejecutó con fidelidad sus estructuradas composiciones; la sección de vientos se permitió cierta soltura improvisatoria, con momentos cercanos al free jazz. Fue intachable el trabajo del nuevo guitarrista, y sus intervenciones, pulcras y medidas, con escasa distorsión y acento en lo melódico. La base rítmica exhibió buen gusto y sentido orquestal en las instancias más reposadas y, a la vez, estuvo a la altura de las circunstancias cuando en coyunturas de alto voltaje instrumental, se requerió soporte sólido y eficaz, como en la porción intermedia de “La caja negra”. En este tema, ya todo un clásico, los teclados dejaron a un lado el usual trabajo armónico y contrapuntístico y se embarcaron en un encendido vuelo psicodélico digno de Gong.

Otro tema destacable -el que más me gusta de “Biomasa”- fue “Trastornos ópticos del oso bipolar” (otro hallazgo literario), con el que finalizaron la actuación. Capel lo anunció, con su habitual comicidad, como “nuestro tema más popero”!!!. Unos riffs reminiscentes del “Lying and Gracing” de Hatfield and the North dan inicio a una composición caleidoscópica de 10 minutos de duración, en la que sobrevuela cierta oscuridad crimsoniana, mezclada por momentos con buenas dosis de humor. Fue un cierre apropiado como muestra del mejor progresivo catalán.

LOS BLOGS INCENTIVAN LAS VENTAS DE MÚSICA
Un estudio reciente de la Leonard N. Stern School of Business de la New York University, titulado “Does Chatter Matter? The Impact of User-Generated Content on Music Sales”, estableció la existencia de una relación entre los posteos en blogs y las ventas de música, de modo tal que el volumen de los primeros puede influir significativamente en el incremento de las segundas.

Los autores resumieron las conclusiones de su estudio de esta manera:

“The Internet has enabled the era of user-generated content, potentially breaking the hegemony of traditional content generators as the primary sources of “legitimate” information. Prime examples of user-generated content are blogs and social networking sites, which allow easy publishing of and access to information. In this study, we examine the usefulness of such content, consisting of data from blogs and social networking sites in predicting sales in the music industry. We track the changes in online chatter for a sample of 108 albums for four weeks before and after their release dates. We use linear and nonlinear regression to identify the relative significance of online variables on their observation date in predicting future album unit sales two weeks ahead. Our findings are as follows: (a) the volume of blog posts about an album is positively correlated with future sales, (b) greater increases in an artist’s Myspace friends week over week have a weaker correlation to higher future sales, (c) traditional factors are still relevant – albums released by major labels and albums with a number of reviews from mainstream sources like Rolling Stone also tended to have higher future sales. More generally, the study provides some preliminary answers for marketing managers interested in assessing the relative importance of the burgeoning number of “Web 2.0” information metrics that are becoming available on the Internet, and how looking at interactions among them could provide predictive value beyond viewing them in isolation. The study also provides a framework for thinking about when user-generated content influences decision making”.

El trabajo de campo realizado arrojó las siguientes evidencias:

(i) Cuando los posteos superaron la cantidad de 40, las ventas triplicaron el promedio previsto.

(ii) Tratándose de un álbum editado por una major, las ventas se incrementaron cinco veces.

(iii) Superados los 250 posteos, las ventas aumentaron seis veces, se tratara de un álbum de una major o de un sello independiente.

(iv) La influencia del número de “amigos” de un MySpace en las ventas es menor que la verificada por los posteos en los blogs.

EMBRYO TOCA EN GRÀCIA Y “SÓLO POR LAS GRACIAS”

Gràcia Territori Sonor, la organización que gestiona el Festival Internacional LEM, ha anunciado el concierto de la agrupación alemana Embryo, que se presentará este sábado 9 de febrero en el Centre Cívic La Sedeta, c/Sicilia 321.

Desde 1969, esta banda pionera del Krautrock ha venido desarrollando su singular e innovadora visión de las músicas improvisadas, fusionando elementos del rock, el jazz y las músicas de Medio Oriente, China y África. Actualmente, Embryo está formada por su fundador Christian Burchard (vibráfono, salterio, teclados y percusión), Lothar Stahl (marimbáfono, batería y percusión), Marja Burchard (teclados, trombón y percusión), Lutz Wernicke (violín), Gregor Platzer (bajo eléctrico) y Alexandr Alexandrov (fagot).

La cita es a las 22:00 y la entrada es libre!

PLANETA IMAGINARIO FICHA PARA CUNEIFORM RECORDS Y PRESENTA SU NUEVO CD EN BCN

Después de un debut muy prometedor (“¿Qué me dices?”, Margen Records, 2004), que llamó la atención del mismísimo Chris Cutler, la banda progresiva barcelonesa Planeta Imaginario acaba de publicar su segundo CD “Biomasa” en el sello de Steven Feigenbaum.

La agrupación, al mando del tecladista y compositor Marc Capel, presentará este trabajo en un concierto en la Sala Luz de Gas, en Barcelona, el jueves 7 de febrero a las 21:30. Las entradas (8 euros) se pueden adquirir en Discos Castelló (tiendas de la calle Tallers), Gong Discos (Consell de Cent, 343) y DISK7 (en Granollers).

Tuve oportunidad de verlos en vivo en febrero de 2006, en un bonito bar de Cornellá del Llobregat, y me encontré con una música imbuida del espíritu del Canterbury, con ecos de Soft Machine y National Health. Planeta Imaginario se aventura en composiciones extensas y cambiantes que me remitieron a estas bandas históricas; sin embargo, presentan una fusión de psicodelia y jazz de cuño propio. La instrumentación no es usual en el género (a un cuarteto de teclados, guitarra, bajo y batería, se suma una poderosa sección de vientos, con saxos tenor y alto, trompeta y trombón), y su empleo con un claro sentido orquestal es notable.

Estoy seguro, entonces, de que el próximo concierto de Planeta Imaginario será una muy buena ocasión para acercarnos a la nueva y excelente música progresiva creada en Cataluña.

CONTEMPORANEIDAD PROGRESIVA

En este nuevo siglo, las músicas progresivas muestran una renovada vitalidad. Siguen produciéndose obras de incuestionable relieve, que propulsan la evolución del género. Los ejemplos abundan. Enumero seguidamente algunos de los más representativos:

2000RUINS: “Pallaschtom”
ENSEMBLE NIMBUS: “Garmonbozia”
DAVE KERMAN/5uu´s: “Regarding Purgatories”
DOCTOR NERVE (with the Sirius String Quartet): “Ereia”
SLEDĚ, ŽIVÉ SLEDĚ: “Cherie sculpte le paysage”
VOLAPÜK: “Polyglot”

2001BIOTA: “Invisible Map”
INTERFÉRENCE SARDINES: “Zucchini”
TOOL: “Lateralus”
TORTOISE: “Standards”
AKINETÓN RETARD: “Akranania”

2002GODSPEED YOU! BLACK EMPEROR: “Yanqui U.X.O.”
FÖRTRÄNGT HUSHÅLLSARBETE: “Offret Om Att Alska”

2003PALINCKX: “Henry: 15 Scenes About A Threesome Man”
THINKING PLAGUE: “A History of Madness”
THE SCIENCE GROUP: “Spoors”
LAS OREJAS Y LA LENGUA: “Error”
LARVAL: “Obedience”
BIRDSONGS OF THE MESOZOIC: “The Iridium Controversy”
ALAMAAILMAN VASARAT: “Käärmelautakunta”

2004ABSOLUTE ZERO: “Crashing Icons”
SLEEPYTIME GORILLA MUSEUM: “Of Natural History”
CHARMING HOSTESS: “Punch”

2005TIME OF ORCHIDS: “Sarcast While”
MIRIODOR: “Parade+Live at NEARfest”
ROUGE CIEL: “Veuillez procéder"”
BOB DRAKE: “The Shunned Country”
KOENJIHYAKKEI: “Angherr Shisspa”

2006UNIVERS ZÉRO: “Live”
ANDRÉ DUCHESNE: “Cordes à danser… Suite saguenayenne”
ESTRADASPHERE: “Palace of Mirrors”
KAMPEC DOLORES: “Földanya Égapa”

2007SHINING: “Grindstone”
FAR CORNER: “Endangered”
THE WRONG OBJECT: “Stories from the Shed”

Todas estas bandas y músicos, de diversas procedencias y extracciones, continúan apostando por el riesgo y la innovación, en definitiva, por una auténtica búsqueda artística. Resisten los consabidos dictados extramusicales, reclamando un ámbito autónomo para la toma de decisiones, en lo que hace a la creación y la difusión de sus obras. Cuestionan postulados de género y estilo, alumbrando nuevas “progresiones”, que parten o se nutren del rock, pero que, sobre todo, se abren incondicionalmente -con afán omnívoro y fertilizador- hacia otras escuelas y tradiciones, para ubicarse fuera de toda normatividad formal y estilística.

Desde esta plataforma ética y estética, surgen obras con un marcado perfil ecléctico y difíciles de categorizar. Sin embargo, no estamos aquí frente a mestizajes decorativos o caprichosos, sino ante abordajes que integran, de modo coherente y articulado, fuentes diversas que decantan en lenguajes inéditos o idiosincrásicos. Hay en estas propuestas una refutación de los convencionalismos, que va más allá de la mera formulación crítica: se aprecia un interés por plantear nuevas formas de expresión y por generar otras exigencias de percepción.

Hablamos de una música fundamentalmente escrita, y que es el resultado de un proceso de gestación riguroso y de ensayos intensivos. La composición es, pues, un rasgo excluyente y con frecuencia prevalece, en tanto modelo creativo, sobre la improvisación. La experimentación rítmica y tímbrica es otra característica que sobresale, gracias a la destreza instrumental que por lo general exhiben los músicos. Este aspecto no necesariamente supone una formación de conservatorio esterilizante, ni se traduce en un virtuosismo exacerbado; se trata de la libertad de investigar y explotar las posibilidades de los instrumentos -y demás fuentes y objetos sonoros-, prueba de lo cual son, por otra parte, las habituales formaciones instrumentales heterodoxas.

A pesar de lo prometedor del panorama actual del género, no dejo de advertir que buena parte de las producciones, que hoy suelen considerarse dentro del progresivo, ostentan un interés más retrospectivo o conmemorativo que prospectivo o exploratorio. En muchos casos, se observa incluso un estancamiento en fórmulas o manierismos expresivos, práctica que, no obstante contar con el aprecio de una porción importante del público, tiene que ver más con recapitular que con experimentar. Consciente de esta situación, he procurado concentrar mi atención en las manifestaciones que a mi entender son más propiamente “progresivas”, aquéllas verdaderamente retadoras y en constante actitud de superación.

CRÍTICA DEL iPod

“...La potencia es algo que podemos comprar, y a este respecto pienso más en máquinas que en píldoras sexuales. Según un lugar común de la industria electrónica, los consumidores ordinarios compran equipamientos cuyas capacidades nunca utilizarán íntegramente: discos duros con memoria capaz de almacenar cuatrocientos libros, aunque la mayoría de la gente no guardará, en el mejor de los casos, más de unos cuantos centenares de páginas de cartas o programas de software que permanecen en el ordenador sin ser nunca abiertos. La conducta de estos clientes tiene su paralelo en los compradores de coches deportivos superveloces que en la mayor parte de los casos avanzan a trompicones en medio del tráfico, o en los propietarios de los tristemente famosos vehículos utilitario-deportivos diseñados para viajar en el desierto y que la mayoría de las veces se usan para llevar a los niños a la escuela y traerlos de vuelta a casa. En todos estos casos se trata de consumidores de potencia.

Desde los orígenes de los mercados de capital, los inversores se han visto impulsados por la creencia irracional en el poder de los objetos, como ocurrió en la “manía por los tulipanes” de los inversores ingleses del siglo XVII, cuando el comercio de estos bulbos vulgares e inútiles prometía de alguna manera enriquecer a los banqueros británicos, antecedente de la locura de la inversión en puntocom de la década de los noventa del siglo XX. El atractivo de esta clase de consumo está en el incremento del capital mediante la explotación de posibilidades que otros no han previsto, o bien de la pura magia. Comprar una máquina poderosa tiene otra clase de atractivo, del que es excelente ejemplo un objeto pequeño y hermoso que se encuentra hoy en el mercado.

Me refiero al iPod, con capacidad para almacenar y reproducir diez mil canciones de tres minutos. Pero ¿cómo hará uno para escoger las diez mil canciones, o de dónde sacará tiempo para bajarlas? ¿Cuáles serían los principios de selección de las quinientas horas de música que contiene esa cajita blanca? ¿Acaso sería posible recordar las diez mil canciones a fin de elegir una en particular que se deseara oír en un momento determinado? (Esa proeza de la memoria humara implicaría, en el campo de la música clásica, la capacidad de saber de memoria prácticamente todas las obras de Juan Sebastián Bach) [...] Prácticamente lo mismo vale para las instrucciones escritas que acompañan al iPod. La máquina es “neutral en contenido”: el manual sugiere que se visiten diferentes sitios de interés en Internet con protocolos para bajar material, pero las visitas sólo muestran más neutralidad. Uno de esos sitios, por ejemplo, ofrece tres mil antiguos éxitos, después de lo cual viene una enumeración alfabética de los tres mil títulos. Pero, una vez más, nos topamos con la dificultad de retener en la mente nueve mil minutos de audición. No es sorprendente que Michael Bull, que ha escrito un estudio acerca del uso real que se hace en general del walkman, precursor del iPod, se haya encontrado con que la gente escuchaba una y otra vez las mismas veinte o treinta canciones, que es la memoria musical activa que posee la mayoría.

Sin embargo, el poderoso atractivo comercial del iPod consiste precisamente en tener más de lo que una persona podría usar jamás. Parte de ese atractivo reside en una conexión entre potencia material y capacidad potencial de un individuo. Al buscador de talento, como hemos visto, no le interesa tanto lo que uno ya sabe como cuánto sería capaz de aprender; al director de personal no le interesa tanto lo que uno es como lo que podría llegar a ser. Análogamente, comprar un pequeño iPod promete la expansión de las capacidades personales; todas las máquinas de ese tipo funcionan sobre la base de la identificación del comprador con la sobredimensionada capacidad introducida en las máquinas. Las máquinas se convierten en una gigantesca prótesis médica. El iPod tiene una gran potencia, pero el usuario no domina esa potencia. Ésa es justamente la razón por la cual las máquinas ejercen tanta atracción. Como me dijo el vendedor que me vendió el iPod, sin inmutarse: ‘El límite es el cielo’. Y lo compré”.
(Richard Sennett, “La cultura del nuevo capitalismo”, págs. 130/132, Anagrama, Barcelona, 2007)

“INTERSECCIONES - LA MÚSICA EN LA CULTURA ELECTRO-DIGITAL”
Bajo este título, el colectivo cultural arte/facto -que publica la revista Parabólica, en Sevilla- ha editado un libro, que reúne un conjunto de artículos de algunos de sus colaboradores habituales, entre quienes se encuentran los argentinos Daniel Valera y Norberto Cambiasso.

Desde 2002, Parabólica busca “explorar y debatir desde diferentes perspectivas las culturas contemporáneas y sus mecanismos de producción bajo los efectos de la mundialización económica y cultural. Queremos suscitar y registrar discursos críticos. Ser un espacio de encuentro, debate y exposición que permita reformular y difundir las culturas contemporáneas. Sobre todo queremos ser un espacio de invención crítica” (Editorial del Nº 00). Fieles a este objetivo, los hacedores de la revista -en colaboración con el Area de Cultura del Ayuntamiento de Sevilla y bajo la coordinación de Julián Ruega Bono- han publicado, recientemente, esta valiosa obra sobre diversas problemáticas atinentes a las músicas de hoy.

El volumen está presidido por una frase de LaMonte Young: “El propósito de esto no es entretener”. Por su parte, Daniel Varela la retoma en “Búsqueda musical y confrontación - Sobre la música experimental en los inicios del nuevo Siglo” (págs. 37 y sigs.). En este artículo focaliza, precisamente, en las “formas de creación sonora reacias a clasificación, comercialización y domesticación al modo de sumarse a las comodidades de nuestra era”, es decir, aquéllas que son irreductibles para el mercado del entretenimiento.

El citado trabajo contiene algunas reflexiones, perspicaces y nada usuales, sobre el rock progresivo, una de esas formas musicales “resistentes”, que Varela ubica entre los “distintos modelos de disidencia sonora”, deudores de la vasta influencia ejercida por John Cage a partir de los años ´60s. Desde esta perspectiva, la obra de aquel compositor no resulta, pues, un callejón sin salida -como tantas veces se la ha considerado- sino una fuente desbordante de corrientes estéticas dispares, que han permanecido poco visibles pese al paso del tiempo.

A continuación, transcribo la parte del referido artículo que me ha interesado especialmente:
“Rock Progresivo y Experimental. Se pueden pensar en formas de música vinculadas al rock y que conserven carácter de experimento? Sin dudas es una pregunta compleja. La historia de la contracultura y de los movimientos juveniles ha pasado por sinnúmero de trampas y claudicaciones en pos de ocasionales (o frecuentes) intentos de asimilarse a la industria del entretenimiento. El conjunto de argumentos sonoros en términos de nuevas técnicas, lenguajes y combinaciones instrumentales se nutren de planteos y prácticas sociales tales como las formas de producción, circulación y destino de las ‘obras’ de música. No se trata del tipo de instrumentos usados ni de las técnicas como novedades en sí mismas sino de la forma en que se crea la música, los caminos por los que circulará y qué se pretende con su creación. Los estilos de grupos y músicos pueden ser múltiples, pero más allá de la disparidad puede analizarse la presencia de factores comunes que, justamente, harían posible su definición como progresivos; un término que suele asociarse o confundirse pero que tiene precisas connotaciones. Una advertencia: lo progresivo no es equiparable a un sonido, o estilo musical con cierto color. Sería bastante desafortunado suponer herencias estéticas por aplicación de ‘asociaciones libres’ mezclando aportes provenientes de músicas y tradiciones muy dispares a menos que sean producto de una elección consciente (dirigida) de cada artista o grupo. No se trata de hablar livianamente sobre la influencia de John Cage o Igor Stravinsky en grupos de rock sólo porque algunos de éstos suenen ‘raro’. Un mejor conocimiento del contexto social en que fueron creadas las músicas, así como de las motivaciones y puntos de referencia de los creadores serán de indispensable ayuda para opinar con mayor fundamento. Además de escuchar discos, podemos valernos de esas herramientas para ensayar análisis y lograr valoración más plena de este vasto terreno musical que cuenta con más de treinta años de historia. Los interesados pueden buscar esa ayuda en los catálogos comentados de Wayside Music, Recommended Records, en el libro File Under Popular de Chris Cutler, en la discontinua revista UnFiled (editada por el mismo Cutler) o –de modo más oscuro- en antiguas publicaciones como Eurock, Face Out o Impetus. El Krautrock alemán, el rock cósmico psicodélico de bandas como Gong, los híbridos de jazz y psicodelia al estilo inglés de Canterbury, el Rock in Opposition capaz de incluir música contemporánea y tradiciones locales de Europa oriental, la escena checa posterior a Plastic People of the Universe, las nuevas búsquedas con influencia de abstracción punk y free jazz, como los holandeses The Ex, los húngaros Kampec Dolores o la escuela de rock de cámara belga posterior al grupo Univers Zero. La lista se haría interminable, pero hay un común denominador. Podría hablarse de oposición a cánones comerciales, de no responder a nociones de banal entretenimiento, de conservar la capacidad de explorar las músicas instrumentales (de modo virtuoso o innovador en técnicas, un hecho bastante menospreciado por el rock de circulación mercantil) y de cierto grado de choque con la frivolidad común al rock entendido como unificador industrializado de gustos. Nada más ni nada menos que eso”.

El libro se encuentra disponible para ser consultado en el sitio web de Parabólica.

REGRESO (DESDE BARCELONA)

“...com més coses escoltes

més possibilitats tens d´emocionar-te,

i emocionar-te és l´única manera de ser feliç”
Víctor Nubla (*)
Después de un paréntesis de unos meses y habiendo cumplido SIE7E OCTAV8S, en el ínterin, su tercer aniversario -en el pasado mes de setiembre-, me apuro a retomar contacto con ustedes, antes de fin de año y, esta vez, desde Barcelona, donde estoy cursando estudios sobre la industria de la música.

Quiero agradecer a todos quienes frecuentan SIE7E OCTAV8S y, por anticipado, a los nuevos visitantes. Los animo a hacerse eco y a dejar sus opiniones y sugerencias, que tanta falta me hacen para animarme, y animarme yo mismo, a seguir adelante!
(*) “...cuantas más músicas diferentes escuches, más posibilidades tendrás de emocionarte, y emocionarte es la única forma de ser feliz” (extraído del artículo “LEM. Un veí més a Gràcia”, publicado en Gig Magazine 07, Barcelona, octubre 2007, pág. 25 -traducción propia-). Víctor Nubla dirige, desde hace once años, el Festival Internacional LEM, que alberga las expresiones más destacadas de la música experimental y tiene lugar en el barrio barcelonés de Gràcia.

IVA SUPERCHAMELEON BITTOVÁ

“A ‘depth of time’ is very much present in her art,
going back to the very beginnings of music and
reaching all the way to our problematic present”.Vladimír Godár
Iva Bittová es una de las artistas más relevantes de la República Checa. De personalidad poliédrica (es cantante, violinista, compositora y actriz) brilla en todas sus facetas y se mueve con convicción y desprejuicio en los más variados terrenos musicales, desde el folklore de su Moravia natal hasta el avant-garde. No es casual que su primer DVD se titule Superchameleon (Indies, 2006).

Iva nos sorprende con cada nuevo proyecto, estrenando inesperados ropajes estilísticos y ratificando así su incondicional compromiso con una búsqueda que arrasa con convenciones, categorías y géneros. Quizás su rasgo más admirable –y que la hace verdaderamente extraordinaria- sea la competencia con la que aborda contextos tan dispares, tanto en términos técnicos como expresivos.

A ello, se une un trabajo vocal personalísimo. Iva tiene una natural -y muy agradable- entonación con poco o sin vibrato y, cuando imposta la voz, alcanza la tesitura de una soprano lírica, lo que le permite transitar con facilidad entre lo popular y lo clásico. Sin embargo, nada de lo que ella crea encaja cómodamente en ninguno de estos extremos acostumbrados, cuyas reglas melódico-rítmicas son burladas en todo momento mediante un uso instrumental o dramático de la voz. Su abordaje es claramente experimental: produce todo tipo de efectos –susurros, aullidos- y emplea técnicas inveteradas o rituales como el “canto de garganta”.

Con una libertad tímbrica asombrosa, Iva atraviesa –y actualiza a cada instante- toda la historia de la voz humana. El canto de Iva es origen y prospección, su voz es ancestral y contemporánea a la vez (haciendo un paralelo pictórico, se asimila a la impresión que provoca “Les demoiselles d´Avignon” de Picasso). Esta peculiaridad grafica elocuentemente esa "profundidad del tiempo" de la que habla Godár.

La relación simbiótica de su voz con la sonoridad del violín resulta de un encanto irresistible. En el plano estrictamente instrumental, Iva explota al máximo las cualidades del violín, a través del aprovechamiento de sus sonidos armónicos, la utilización de efectos percusivos y la manipulación del timbre, mediante combinaciones de técnicas tradicionales (glissandi, pizzicati) y prácticas de ejecución no convencionales (violín preparado, uso experimental del arco).

Si hay un denominador común en su obra, reside en la firme raíz folklórica que la infiltra y sustenta. En este sentido, Iva se revela como una clara heredera de la tradición centroeuropea que se remonta a compositores como su compatriota Leoš Janácěk y Béla Bartók, quienes partieron de un conocimiento profundo de las músicas nativas para revolucionar el lenguaje de la música culta, y alumbraron una suerte de meta-género al que se le dio el nombre, nada riguroso pero muy descriptivo, de “folklore imaginario”. En el caso de Iva, además, la rusticidad típica de las melodías y los ritmos folklóricos se retroalimenta de la urgencia punk de la escena clandestina anti-soviética de Praga, protagonizada por Plastic People of the Universe desde fines de los 60s, y que selló a fuego toda la evolución socio-cultural posterior en ese país.

En su discografía, encontramos incursiones en el rock experimental (sus trabajos con el percusionista Pavel Fajt y con los grupos Dunaj y Pluto); versiones de obras de Janácěk y Bartók (sus 44 dúos para violín incluyen arreglos para voz que les imprimen un interés adicional); colaboraciones en el campo de la música contemporánea (con el compositor eslovaco Vladimír Godár y con el colectivo neoyorkino especializado en música experimental Bang on a Can), y obras que podríamos llamar “solistas” (como Bílé Inferno y Čikori, que exhiben el arte de Iva en su estado más puro, en su toda su despojada y frontal expresividad). Además, Iva canta habitualmente en puestas de óperas de Mozart, lo que es una muestra más de su diversidad, aunque por el momento no contamos con registros discográficos de esta faceta.

El DVD Superchameleon ofrece ejemplos de todas las etapas de la carrera de Iva. Comienza con el concierto de presentación de su álbum Elida (Cantaloupe, 2005) junto a la agrupación Bang on a Can, en el Palác Akropolis de Praga, el 26 de marzo de 2006 (estos clips de los temas “Malíři v Paříži” y “Elida” son ilustrativos de la integración de sus distintos perfiles). A continuación, presenta una serie de videos tomados de los archivos de la televisión checa. La última porción del DVD incluye un collage visual con imágenes de sus films.

Así como empecé este posteo, quiero terminar con Vladimír Godár, quien introduce las notas del booklet de su álbum Mater (ECM New Series, 2006) –en el que se incluyen obras interpretadas por Iva Bittová y que fueron inspiradas por ella- con esta reflexión sobre nuestra “polifónica” condición humana:

“Whenever we find ourselves in a town or a city for the first time, we visit the local historical landmarks or churches. They consist of layers of different time periods –a gothic cathedral contains Renaissance tombs, baroque sculptures, windows with symbolic stained glass. When we look inwards, we see something similar –our thoughts, gestures, expressions of emotions, ideals, they all have roots in different depths of time. A human being is just as poly-temporal and poly-stylistic as the cathedral”.