ANASTASIS: LA "RESURRECCIÓN" DE DEAD CAN DANCE

"On the cover of Anastasis, Dead Can Dance’s first album in 16 years: a field of sunflowers, ripened, and then blackened, by the sun, standing with sad, slightly crowned heads. Less dead than dormant, the heads and stems will one day be chopped, but then via the roots, will return. For Anastasis is the Greek word for ‘resurrection’ and the seemingly dead will dance again.

“I thought Anastasis was a good title given our reunion,” explains Brendan Perry, who, with Lisa Gerrard, formed the band in Melbourne, Australia in 1981, releasing seven studio albums, and one live album, before going their own ways after 1996’s Spiritchaser. “Anastasis also means ‘in between two stages’,” he adds. “Regeneration comes with the next season”.

Anastasis is perfectly apt given how the album is an astonishing regeneration of the legendary beauty, power and spellbinding nature of the duo’s unique sound and vision. Age hasn’t withered DCD, not the passing of the years; if anything, the album sounds bolder, stronger, more confident in its vision. There’s surely no other musical force on the planet that sounds so stately and yet mesmeric; who combine so effortlessly the spiritual and the earthbound with music that’s not tied to any one century, but roams freely between the ages as well as the continents".

Este texto, que brinda una apropiada síntesis del concepto de esta nueva obra, está extraído del website de la banda, donde también tienen un streaming del álbum completo.  

DOCUMENTAL SOBRE ROCK IN OPPOSITION

 

Zeitgeist Media acaba de publicar el segundo documental de la serie “Romantic Warriors”, dedicada a las nuevas expresiones del rock progresivo. En esta oportunidad, el film aborda el movimiento R.I.O. y sus vertientes actuales, a través de entrevistas y actuaciones de representantes históricos como Chris Cutler (Henry Cow/ReR), Christian y Stella Vander (Magma), Daniel Denis (Univers Zero), Lars Krantz (Samla Mammas Manna), Ferdinand Richard (Etron Fou Leloublan) y Franco Fabbri (Stormy Six), y de bandas más recientes como Aranis, Guapo, Miriodor, Ruins, Sleepytime Gorilla Museum, Thinking Plague y Yugen.

QUINTO ANIVERSARIO, QUINTAESENCIA PROGRESIVA...

Lo celebramos con esta banda quintaesencial del género, Univers Zéro, ejecutando Dense en el Gouveia Art Rock Festival 2005. 

THEODOR W. ADORNO, 40 AÑOS DESPUÉS

“No atontarse, no dejarse engañar, no colaborar…”Theodor W. Adorno

Un día como hoy, el 6 de agosto de 1969, fallecía Theodor Wiesengrund Adorno, uno de los mayores pensadores del siglo XX y, como tal, uno de los “grandes hombres” de la historia. Voltaire cuestionaba la grandeza usualmente atribuida a los Césares, los Alejandros o similares, pues consideraba que “esos políticos y esos conquistadores, de los que ningún siglo ha carecido, no son de ordinario más que ilustres malvados”, y que, por el contrario, “es aquel que domina sobre los espíritus por la fuerza de la verdad, no los que hacen esclavos por la violencia, es a aquel que conoce el universo, no a los que lo desfiguran, a quien debemos respeto” (1).

Filósofo, sociólogo, musicólogo y compositor, Adorno fue miembro de la denominada “Escuela de Frankfurt”, grupo de intelectuales que se reunió durante la primera mitad del siglo pasado alrededor de las actividades del Instituto de Investigación Social de esa ciudad alemana (2), y que sentó las bases de la “Teoría Crítica”, de enorme influencia posterior. Debió exiliarse en 1934 -“cortesía” del nazismo- y retornó a su país en 1949, convirtiéndose en uno de los actores imprescindibles de la reconstrucción de Alemania.

No es mi intención ocuparme de los detalles biográficos de la vida de Adorno (3); no es que no me interesen, sino que creo que lo verdaderamente importante es su obra (4). Como decía Paul Valéry, a quien Adorno admiraba, “lo que me interesa no es siempre lo que me importa” (5). Y, en este sentido, quiero focalizarme en unos pocos conceptos de su vastísima y multifacética producción, en torno a la reflexión del encabezado (6), y mostrar así que, 40 años después, el legado intelectual de Adorno sigue intacto y plenamente vigente.

Casa de la calle Keffenhofweg 123, donde Adorno vivió entre 1949 y 1969
Para Adorno, la relación con el arte en la sociedad contemporánea ha sufrido un creciente proceso de empobrecimiento y automatización. La incorporación del arte a la vida diaria y su identificación con el entretenimiento (7) lo han vaciado de su poder crítico y utópico. Ha quedado así privado de su significación misma, su carácter trascendente.

Sometidas a la lógica comercial y tecnológica dominante, las obras de arte se convierten en objetos de consumo al alcance de una mayoría, al igual que cualquier otro producto librado al mercado. Sin embargo, la posibilidad de un amplio acceso a aquéllas ha resultado inversamente proporcional al desarrollo de las capacidades para su apreciación y comprensión.

Instituto de Investigación Social
Adorno observó que, generalmente, el tiempo libre es el momento que se reserva para tomar contacto con el arte. En tanto inseparable de su opuesto –el “tiempo laboral”-, el tiempo libre adquiere así una condición instrumental, funcionando como restaurador de la energía productiva. Deviene, de esta forma, en medio de distracción y relajación, lo cual conspira contra una recepción del arte atenta y comprometida, es decir, una genuina experiencia estética. Esta realidad necesariamente genera una relación con el arte caracterizada por la pasividad intelectual, o bien origina vinculaciones activas pero inauténticas: desde la superfluidad del hobby hasta las aproximaciones por motivos utilitarios, tales como la búsqueda de prestigio social o de un efecto terapéutico.

Frente a este estado de cosas, Adorno nos insta a superar estas limitaciones y a acometer vivencias estéticas desde la responsabilidad y la sensibilidad. Defiende una relación con el arte alejada del consumo irreflexivo, para preservar nuestra subjetividad frente a la estandarización y manipulación de opciones culturales y, de ese modo, experimentar una recepción de lo artístico en toda su dimensión espiritual y liberadora. Sostiene que una apreciación consciente de la obra de arte, una confrontación viva con los interrogantes que plantea, es lo único que permite sustraerla de la lógica homogeneizadora que la anula en sus potencialidades.

Es, por ello, que Adorno nos exhorta a dejar de ser dóciles clientes de la industria del entretenimiento, para no anestesiarnos con su complaciente oferta de diversión (8). Pues, según afirmaba Hegel, “en el arte no tenemos que ver con ningún juguete meramente agradable, sino con un despliegue de la verdad” (9). El arte es conocimiento, que sólo se revela si nos comprometemos con una experiencia capaz de desvelarlo.

Opera de Frankfurt

1. Voltaire, “Cartas filosóficas”, págs. 85/86, Alianza, Madrid, 1988.
2. Formaron parte de este círculo, entre otros, Max Horkheimer, Herbert Marcuse y Eric Fromm. El linaje de la Escuela de Frankfurt llega hasta hoy, con Jürgen Habermas, Albrecht Wellmer y Axel Honneth.
3. Para los interesados, recomiendo el libro de Stefan Müller-Doohm (“En tierra de nadie: Theodor W. Adorno, una biografía intelectual”, Herder, Barcelona, 2003).
4. De hecho, en 2004 visité Frankfurt y me organicé mi propio city tour “adorniano” por los lugares donde vivió y que frecuentó (ver las fotos que ilustran este artículo). Y si bien los hechos de su vida no proporcionan una idea real y completa de su valor como hombre e intelectual, no dejo de reconocer que su obra fue, después de todo, testigo y producto de los azarosos tiempos que le tocó vivir.
5. Paul Valéry, “Degas Danza Dibujo”, en “Piezas sobre arte”, pág. 14, Visor, Madrid, 1999. En base a esta obra Adorno escribió el ensayo citado en la nota siguiente.
6. Extraída de “El artista como lugarteniente”, en “Notas sobre literatura”, pág. 133, Ariel, Barcelona, 1962.
7. Ya en 1944 Adorno denunciaba “la actual fusión de cultura y entretenimiento”, que supone tanto la “depravación de la cultura” como la “espiritualización forzada de la diversión” (Th. W. Adorno y Max Horkheimer, “Dialéctica de la Ilustración”, pág. 188, Trotta, Madrid, 2003).
8. Porque “divertirse significa siempre que no hay que pensar, que hay que olvidar el dolor, incluso allí donde se muestra. La impotencia está en su base. Es, en verdad, huida, pero no, como se afirma, huida de la mala realidad, sino del último pensamiento de resistencia que esa realidad haya podido dejar aún” (“Dialéctica de la Ilustración”, cit., pág. 189).
9. Citado por Adorno en la introducción de “Filosofía de la nueva música”, pág. 13, Akal, Madrid, 2003.

Café Laumer

DESDE ISLANDIA

Después de unos días sumergido en el universo inefable de Sigur Rós, seleccioné estos soberbios videos que muestran distintas facetas de su obra, una de las más fascinantes de la música actual.

Svefn-G-Englar, del álbum Ágætis Byrjun (1999)



Sæglópur, del álbum Takk… (2005)



Gobbledigook, del álbum Með Suð í Eyrum Við Spilum Endalaust (2008)

HUGH HOPPER (1945-2009)

Falleció el domingo pasado en Kent, Canterbury. Aquí lo tienen, en una de sus últimas actuaciones (sábado 24 de mayo de 2008, Bourgoin-Jallieu, Francia).

Para recordarlo, pueden leer este obituario publicado en The New York Times y escuchar algo de su extraordinaria música. El próximo 27 de junio, se realizará un concierto homenaje en Le Triton, París.

Son meses difíciles. Recientemente, también se han ido Lars Hollmer, Ian Carr, Uli Trepte...

DAMO SUZUKI VUELVE A LA ARGENTINA

El próximo 6 de junio, Damo Suzuki, la legendaria voz de Can, se presentará nuevamente en el ND/Ateneo. En esta oportunidad, estará acompañado por un grupo formado especialmente para este concierto, con miembros de las bandas locales Pez, ÜL (ex-Reynols), Compañero Asma y Honduras.

Tras “Future Days”, su último álbum con Can, Damo integró Dunkelziffer y, en la actualidad, lidera Damo Suzuki´s Network. A lo largo de su carrera, ha compartido proyectos con músicos experimentales de la talla de Keiji Haino, Charles Hayward, Tatsuya Yoshida, Chris Corsano y, más recientemente, Omar Rodríguez-López (The Mars Volta).

Las entradas ya están a la venta en el ND/Ateneo y en Plateanet (5236-3000, www.plateanet.com).

EL OTRO 50° ANIVERSARIO

“La mayoría de los músicos no querían saber nada de mí. Me decían
que no conocía los acordes y que no tenía buena entonación” (1)
Ornette Coleman

A esta altura del año, ya se ha dicho y escrito mucho sobre el 50° aniversario de “Kind Of Blue”, aquella obra paradigmática de Miles Davis. Sin embargo, nada he leído ni oído acerca del otro gran aniversario musical del año: en este 2009 también se cumplen 50 años de la edición del profético “The Shape Of Jazz To Come”, de Ornette Coleman.

Es un valor entendido que, con este álbum, Coleman inauguró lo que luego se categorizó como “free jazz” (a la sazón, el título de su siguiente álbum de 1960), convirtiendo al jazz en una verdadera música sin límites. Se trató de una revolución equiparable al arribo de la atonalidad en la música de tradición académica. Trastocó completamente los cánones del género, al subvertir su concepción armónica e introducir variantes rítmicas y tímbricas hasta ese momento inexploradas. Se alumbró, así, una música que, como afirma Joachim E. Berendt, “ya no sigue al oyente; el oyente tiene que seguir a la música, sin premisas, a dondequiera que ella lo lleve” (2).

Ornette Coleman tiene hoy 79 años y se encuentra plenamente activo. Ofrecerá un concierto en Buenos Aires el próximo 7 de mayo. 

1. Citado en Joachim E. Berendt, "El Jazz. De Nueva Orleans al Jazz Rock", pág. 182, México, 1993.
2. Idem, pág. 69.

BÉLA BARTÓK 2: el "folklore imaginario"

“…Lentamente, Bartók avanzaba hacia el período de sus obras maestras, allí donde el folklore europeo oriental, el pasado de la música tradicional y su visión de vanguardia se funden en una nueva racionalidad, que no es suma de partes, sino integración abierta, “solución de libertad”, como dice Massimo Mila. Pero el acento estará puesto en la modernidad, en la heterogeneidad, sin escapar a principios formales clásicos. Si la Música para cuerdas, percusión y celesta trae la forma cíclica-lisztiana, la utilización de instrumentos como el tam-tam, los platillos, etc., o la escritura cangrejo del tercer movimiento la vuelven inusitada hasta llegar a la “apoteosis del folklore imaginario” que es el último movimiento. Luego, la ya mencionada Sonata para dos pianos y percusión parece dar razón a quienes afirman que Bartók cumplió “una reestructuración del lenguaje musical culto a partir del ritmo”. Y en el concepto de “folklore imaginario” entrarán a jugar tanto la invención melódica y rítmica en el espíritu del folklore cuanto la libertad de elección del material documental, provenga de donde provenga. Lo dice Bartók: “Yo no rechazo ninguna influencia, sea de fuente eslovaca, rumana, árabe o de cualquier otro sitio, con tal que sea de una fuente pura, fresca y sana”. Así, sobre esa base, construyó sus obras claves, en las que se llega a “una sublimación de elementos melódicos y rítmicos aislados de su contexto”. Esta nueva categoría demuestra claramente que Bartók no pensaba ni sentía en términos corporativos y que los valores trascendentales de su música son “ajenos a la recuperación mística y simbólica de los valores musicales de la nación”…”.

(Bartók, Béla, "Escritos sobre música popular", Siglo XXI, México, 1987, Introducción, págs. 24/25)

BÉLA BARTÓK: sobre los ritmos irregulares en la música de tradición académica

“La antigua música culta europea no ha conocido otros tipos de compás que los de dos o tres tiempos, vale decir -en valores modernos-, los compases de 2/4 y 3/4, sus duplicaciones y sus subdivisiones en octavos. Personalmente no lo recuerdo, pero puede suceder que esporádicamente y de vez en cuando aflorara también algún otro tipo de compás: pero en la notación de los ritmos no figuran más que las dos especies mencionadas. Por cuanto sé, el primer ejemplo de compás de 5/4 se encuentra en Chopin, en una de sus obras juveniles: precisamente, en el tiempo lento de su Sonata para piano núm 1. En este tipo de compás, absolutamente insólito para la época, quizás pueda verse una influencia de la música popular polaca. Otro ejemplo célebre es uno de los tiempos de la Sinfonía Patética de Chaikovski. Wagner, aquí y allá se ha servido de compases en 5; por ejemplo, en el tercer acto de Tristán. Y debemos destacar que, en este caso, el compás de 5/4 se forma verdaderamente a partir de un tema de compás simétrico: el ritmo de una mitad del compás se ha contraído para aumentar la emoción. Estos compases en 5 todavía son, relativamente, de andar lento y no resulta difícil comprenderlos o ejecutarlos: las unidades del compás son casi simpre cuartos cómodos.

El comienzo del siglo XX constituye el momento del descubrimiento de la música popular europeo-oriental. En esta música recurren abundantemente a melodías en compases asimétricos, tanto en el material húngaro como en el eslovaco o rumano [...].

Los compositores sensibles a la influencia popular, como Stravinsky o los húngaros, se valieron siempre con mayor frecuencia de compases de ritmos semejantes, con no poca consternación de parte de los instrumentistas de las orquestas. Ya en Petrushka, pero todavía más en La consagración de la primavera, Stravinsky recurre a compases asimétricamente construidos de octavos más bien cortos, alternando muchas veces los tipos de compás con compases simétricos y asimétricos. Aquí, entonces, la unidad del compás ya no es el cuarto, sino un octavo, y bastante veloz: en el espacio de un minuto entran de 200 a 250 de ellos. Los tipos de compás más conocidos son: el de 5/8, articulado normalmente en 3 + 2, pero, no tan a menudo, aun en 2 + 3. Y también el de 7/8, que normalmente se articula en 4 + 3. Pero pueden encontrarse asimismo compases de 8/8 y de 9/8, con una articulación más bien insólita: el compás de 8/8 articulado en 3 + 2 + 3, de lo que naturalmente resulta un ritmo bien diferente del derivado del compás con articulación 4 + 4, que le es equivalente en el tiempo. Así, también el de 9/8 articulado en 4 + 2 + 3 difiere por completo del compás de 9/8 dividido en 3 X 3.

Los instrumentistas de las orquestas se mostraban hasta poco tiempo atrás muy trabados ante tales ritmos: es extraordinario. Estaban tan habituados a los ritmos simétricos propios de un organillo que no lograban comprender dichos ritmos, para ellos insólitos, y sin embargo tan naturales [...] Quiero significar con ello que no los han inventado los compositores después de haberse atormentado esforzadamente el cerebro, sino que los produjo la música de los campos, por un proceso de formación absolutamente espontáneo. Entonces, justamente estas especies de ritmos causaron graven dificultades al músico culto, y no al campesino, por cierto...”.
(Fragmento extraído de "El denominado ritmo búlgaro", publicado por Bartók en la revista "Énekszó" en 1938 -traducción castellana en Bartók, Béla, "Escritos sobre música popular", Siglo XXI, México, 1987-)

10 ELEGIDOS 2008

Algunas de las obras editadas o reeditadas el año pasado que más me gustaron.

1. AHLEUCHATISTAS: “The Same and The Other” (Tzadik)
2. BIRDSONGS OF THE MESOZOIC: “Dawn of the Cycads: The Complete Ace of Heart's Recordings (1983-1987)” (Cuneiform)
3. CABO SAN ROQUE: “Música a Màquina” (Autoedición)
4. EARTH: “The Bees Made Honey in the Lion's Skull” (Southern Lord)
5. INGEBRIGT HÅKER FLATEN QUINTET: “The Year of the Boar” (Jazzland)
6. JOHN GREAVES: “Verlaine” (Zig Zag Territoires)
7. SIGUR RÓS: “Med Sud I Eyrum Vid Spilum Endalaust” (EMI)
8. SOY UN CABALLO: “Les heures de raison” (Green Ufos/Matamore)
9. STEVAN KOVACS TICKMAYER: “Cold Peace Counterpoints” (Recommended)
10. WIM MERTENS: “Receptacle” (Usura Music)

NOVEDADES DE...

Corría 1977. Languidecían las promesas utópicas del rock sinfónico y arreciaba el “no future” del punk. En ese año, Univers Zéro publicó su primer álbum y demostró que el progresivismo no era una moda, sino que suponía perseverar en un programa estético autónomo, más allá de las tendencias.

En 1989, aquel trabajo visionario fue editado en CD, con el título “1313”. Ahora, Cuneiform Records acaba de reeditarlo, remixado y remasterizado, con un bonus track en vivo. En esta versión, el sonido resalta la crispación característica de la música de la banda; el fagot cavernoso y gimiente y las cuerdas filosas estremecen como nunca.

Siguiendo con el rescate de su obra pasada, para el próximo mes de enero está prevista la edición de “Relaps”, que reunirá grabaciones de archivo de los años 1984/86.

Univers Zéro ha anunciado, además, el futuro lanzamiento de un nuevo CD en estudio, “Clivages”. Y, como si esto fuera poco, los conciertos que ofrecieron el 15 de noviembre de este año, en Le Triton (París), fueron grabados para ser publicados en DVD.

CUARTO ANIVERSARIO

Este mes cumplimos años!!! Llegamos hasta aquí a fuerza de perseverancia y entusiasmo. Procuraremos seguir en esta senda de la difusión de las músicas marginales, ya que -como dijo Dmitri Shostakovich-, si bien "es más cómodo y más seguro recorrer caminos trillados (...) resulta aburrido, falto de interés y estéril" *.

Y para celebrar nuestros cuatro años, hemos "invitado" a una joven banda alemana, Shreefpunk, que tuvimos ocasión de ver en concierto en la Fundació Joan Miró el pasado mes de julio.

* Meyer, Krzysztof, "Shostakovich. Su vida, su obra, su época", pág. 172, Alianza, Madrid, 1997.

ÚLTIMAS ESCUCHAS RECOMENDADAS

Éstos son algunas de las obras editadas recientemente que más me han interesado. Accedí a varias de ellas gracias al actualizado y arriesgado catálogo de la Biblioteca Jaume Fuster, una de las bibliotecas públicas de Barcelona que queda a sólo cinco calles de aquí.

BATTLES: “Mirrored” (Warp)G. F. FITZ-GERALD & LOL COXHILL: “Echoes Of Duneden” (Reel)
PRAM: “The Moving Frontier” (Domino)
SIGUR RÓS: “Heima” -DVD- (EMI)
SUPERSILENT: “Supersilent 8” (Rune Grammofon)
DAVID TORN: “Prezens” (ECM)
ROBERT WYATT: “Comicopera” (Domino)
JOHN ZORN: “Six Litanies For Heliogabalus” (Tzadik)

HENRY COW CELEBRA SU 40º ANIVERSARIO CON UN BOX SET ANTOLÓGICO

Recommended Records ha anunciado el lanzamiento de una edición de grabaciones inéditas de los líderes del RIO, consistente en nueve CDs, un DVD y dos libros!

El box set se publicará en dos volúmenes a fin de año. Como adelanto, en septiembre se lanzará el CD “Stockholm”, que incluye una grabación en vivo para la Radio Sueca de 1977 y formará parte integrante de esta edición aniversario.

Para advertir su envergadura e importancia histórica, transcribo la información sobre esta edición que está difundiendo ReR: “Assembled over 15 years, this collection gives for the first time some idea of the breadth and depth of Henry Cow's work. Always very much a live band, performance was their metier, and a concert might range far - always driven by an intense dialogue between tightly knit compositions and radically open improvisation. The officially released LPs tell at best only half this story, and one purpose of this definitive collection is to set the work back into its broader context. These are all previously unreleased recordings, that include many compositions and improvisations new to anyone who only knows the official releases, documentation of a number of one-off projects and events and - where different or remarkable enough to justify inclusion - live versions of parts of the LP repertoire. Many of these recordings are high quality radio transcriptions taken directly from the original masters, others are less hi-fi, but justified we think by their historic and musical quality. And everything has been carefully transferred and re-mastered by Bob Drake to the best audio quality that current technology allows without interference or tampering. It's all a million times better than the terrible bootlegs that are swimming around. Altogether, these 9 CDs embody some extraordinary, and occasionally prescient music. Taking this box together with the officially released albums, it is possible at last to get some impression of the extensive ground Henry Cow covered in it's 10 short years. Finally, there is the DVD: 80 minutes of the 1976 Cow (with Georgina Born and Dagmar Krause) performing many unreleased pieces as well as Living in the Heart of The Beast, Beautiful as the Moon & c. This is the only known video recording in existence - professionally made, multi camera - and has not been recovered since its original broadcast (just scour U-Tube, HC is conspicuous by its total absence). And last but not least, there is a great deal of written, photographic and textual documentation. Since this will probably be the last and definitive collection, it has to be thorough. For reasons of fairness and cost we have decided to split the set into two boxes - which can be bought separately or together. VOL 1 covers the period 1971 to the 1976 Hamburg radio show which documents John Greaves' last concert with the band, as well as the extraordinary Trondheim concert from the quartet tour that immediately followed. VOL 2 takes the story through to 1978 and includes more previously undocumented compositions as well as the Bremen radio recording. The Stockholm CD belongs to this second box, which also contains the DVD”.

ReR ha implementado un sistema de “suscripción” para la venta anticipada del box set, que le permitirá recaudar dinero para su fabricación y publicación, ofreciendo a los suscriptores una edición especial numerada, que incluye el CD “Stockholm” y una caja para guardar los cinco álbumes de estudio, a un precio menor al del box set.

DADDY ANTOGNA Y LOS DE HELIO EN BUENOS AIRES

Con una carrera que se remonta a su participación en grupos como Ave Rock y Orion´s Beethoven en los ´70s y que quedara trunca a raíz de un accidente que lo obliga desde entonces a trasladarse en silla de ruedas, el baterista Daddy Antogna regresa junto con Los de Helio.

Antogna se ha rodeado de músicos de reconocido linaje experimental. Lo acompañan Nicolás Diab en bajo, Fernando de la Vega en batería (ambos de Las Orejas y La Lengua, by the way: para cuándo el tan anunciado “Buenos Aires” -se los extraña!-) y Alan Courtis en guitarra (ex Reynolds y colaborador de Lee Ranaldo, Damo Suzuki, Pauline Oliveros, John Oswald y un largo etcétera).

La formación estrenará su primer álbum este viernes 11 de julio en Espacio Ecléctico, Humberto Primo 730. El concierto es a las 22:00 y la entrada cuesta unos escasos $ 12.

CANTERBURY "SE MUDA" A BOURGOIN-JALLIEU: UNA CRÓNICA

Cuando leí esta crónica, pensé que era una buena idea darle espacio aquí. Martin, profesor de alemán residente en Paris y serio entusiasta del rock progresivo, la escribió con frescura y sensibilidad. Habitual participante del foro de Prog Archives, tuve el placer de conocerlo en Les Abattoirs, donde coincidimos para este evento. Además, fue una agradable sorpresa “encontrarme” en su relato: “...I met Sylvia & Walter, a nice Argentinean couple, who studies in Barcelona and had come over for the festival...”. Que lo disfruten!

CANTERBURY "SE MUDA" A BOURGOIN-JALLIEU

Entre el 22 y el 24 de mayo, en esta pequeña ciudad cercana a Lyon (Francia) tendrá lugar un evento dedicado a la escena progresiva de Canterbury, aquel movimiento musical surgido en el sur de Inglaterra hacia fines de los ´60s, en el que confluyeron, de una manera única e irrepetible, la psicodelia, el free jazz, la composición contemporánea, el surrealismo y el dadaísmo.

En el marco de la programación cultural del SMAC Les Abattoirs y bajo el título “L´école de Canterbury”, se han previsto una serie de actividades y conciertos, entre los que se destacan las actuaciones de Kew.Rhone., la banda de John Greaves y Peter Blegvad que grabara el álbum del mismo nombre en 1977, y de Canterbury Legends, una especie de seleccionado integrado por Hugh Hopper (Soft Machine), Phil Miller (Hatfield and the North) y Didier Malherbe (Gong). También habrá un tributo a Robert Wyatt, que incluirá el estreno de una obra creada especialmente para esta ocasión.

Directo EMBRYO (9/2/08, Centre Cívic La Sedeta, BCN)

Christian Burchard lleva cuarenta años con Embryo, desde los orígenes seminales del Krautrock hasta su vital presente multiétnico. A lo largo de este tiempo, han pasado por la banda más de 400 músicos de las más diversas procedencias, que se le unieron en sus incontables giras intercontinentales, logrando una convivencia -no sólo artística- en total comunión. Embryo es un proyecto marcado por la creación incesante, el nomadismo y la hospitalidad incondicional. Embryo es el diálogo intercultural hecho realidad. Tuvimos la ocasión de vivenciarlo en uno de los conciertos que ofrecieron durante su actual gira. En el marco de la programación cultural del Ayuntamiento de Barcelona, con entrada libre y gratuita, Embryo tocó en un centro cultural barrial, sin mayores artilugios técnicos y escénicos y ante una pequeña audiencia entusiasta.

Se suele considerar a la música de Embryo como un ejemplo de la “world music”, tal la etiqueta con la que hoy se divulgan y comercializan las músicas folklóricas y étnicas, así como sus variantes híbridas, resultantes de su mezcla con otros géneros y estilos. Sin embargo, no puede soslayarse que bajo este rótulo demasiado amplio han quedado homogeneizadas y relativizadas expresiones musicales genuinas, al ser parangonadas con manifestaciones ajenas, carentes de rigor y autenticidad o producidas con motivaciones extramusicales. Nada más alejado de la filosofía de Embryo, que promueve experiencias de fusión concientes que integran distintas tradiciones culturales y las enriquecen sin neutralizarlas. Embryo se desmarca completamente de aquellas expresiones reduccionistas o superficiales, de intención cuasi-turística y forma estandarizada (ej. Manu Chao o similares), que abundan cada vez más en este segmento del mercado musical.

Y si de música hablamos, los vaporosos acordes de “Other Side of the Sky” de Gong -que emanaban de los altavoces mientras el público entraba a la sala y se ubicaba en sus asientos- anticiparon esa atmósfera onírica que se respiró durante todo el concierto. Como buen pionero del Krautrock, Embryo crea músicas de trance, donde la improvisación y la complejidad rítmica juegan un papel central. Y lo hace empleando una instrumentación insólita, en la que se cuentan el fagot, el violín, el oud y el salterio. Este último, junto con la marimba y el vibráfono, son los instrumentos a cargo de Burchard y responsables de esas peculiares resonancias ingrávidas, que caracterizan esta etapa de la banda. La voz del excéntrico Mik Quantius, plena de efectos extraños y de armónicos, fue una revelación para mí; me recordó por momentos a Damo Suzuki y a Demetrio Stratos. El concierto fue un lento crescendo, literalmente: a un comienzo mayormente acústico y sedativo sobrevino, luego del intermedio, un segmento incandescente, con una batería arrolladora y un salterio (esta vez electrificado!) chirriante cual guitarra hendrixiana.

MELLOTRON EUROPA EN BCN

Encontré la edición europea de la revista argentina Mellotron en Music World, una tienda de discos de las que ya no quedan, con un muy nutrido catálogo de rock progresivo de los 70s (calle Rosselló 201).

El número 3 de esta publicación trae una cobertura del “Tiana Prog Fest”, el evento sobre el género que tiene lugar anualmente en esa ciudad cercana a Barcelona, y una entrevista a Jordi Tardá, quien anticipa la apertura de un museo del rock en un recinto de Montjuïc durante este año.

En particular, este número es ideal como introducción al rock progresivo argentino. Contiene dossiers sobre antiguos grupos y bandas contemporáneas, reviews de varios álbumes y un CD obsequio, con una amplia selección de temas. Además de las agrupaciones incluidas, aprovecho la ocasión para recomendarles otras igualmente importantes, como las históricas Bubu, M.I.A. y Alas y, entre las actuales, Las Orejas y La Lengua.